J'ai acheté une Fender Stratocaster à la mi-2019 ; cela m'a inspiré à jouer des solos de guitare. C'était un de mes objectifs pour ce disque. Je me disais : « Tu dois faire plus de solos de guitare », et cette guitare m'a incité à le faire. [Le son] est un peu provocateur, un peu fin et a une sorte de résonnance métallique.

Et un élément important du son de l'album était la façon dont j'ai enregistré le saxophone baryton. J'aime le faire avec deux micros différents séparés d'environ deux ou trois mètres. Certaines personnes ne placent jamais les micros aussi loin des instruments, mais c'est vraiment ma philosophie : Plus vous vous en éloignez, plus le son des instruments est bon. Quand vous placez un microphone tout près d'un saxophone, le son n'est pas du tout naturel. Votre oreille ne sera jamais aussi proche du pavillon d'un saxophone. Je suis un fervent défenseur de l'enregistrement [des instruments] comme vous les entendriez naturellement. Comme si vous étiez dans une pièce et que quelqu'un était de l'autre côté de la pièce, assis sur un canapé. C'est comme cela que je vois les choses.

Comment le saxophone a fait chanter cet album

J'aime la façon dont le saxophone sonnait quelque peu étranger à une palette musicale que j'ai utilisée par le passé et qui était très inspirée de la musique classique. Il y a beaucoup de points communs entre la musique classique et le jazz dans la façon dont les mélodies sont construites : il y a une architecture dans ces mélodies. Mais je connais toutes les règles de la musique classique et je ne connais pas vraiment celles du jazz. 

Dans le jazz, il n'est pas tant question de règles. C'est plus une question de style personnel. Il y a des compositeurs [classiques] qui ont fait des choses idiosyncrasiques, mais en se cantonnant généralement au respect de certaines règles, alors que le jazz est un système beaucoup plus ouvert.